Charline Giroud - ÇFARË ËSHTË TË JESH ARTIST NË SHEKULLIN e XXI ?

Nentor 12, 2022 - 21:09 Përditësuar: Nentor 12, 2022 - 21:09

ÇFARË ËSHTË TË JESH ARTIST NË SHEKULLIN e XXI ?

Nga Charline Giroud

Pak histori

Para se të merret statusi i artistit, piktorit, skulptorit të antikitetit dhe mesjetës konsideroheshin si ruajtës të thjeshtë të njohurive, dhe vlera e punës së tyre gjykohej nga vlera e materialeve të përdorura. Vetëm nga Rilindja fillojmë t'i vlerësojmë aftësitë e tyre dhe t'i konsiderojmë ata si intelektualë dhe jo si artizanë. Prandaj statusi i tyre u ngrit, por puna e tyre mbeti një art i porositur, shpesh fetar ose aristokratik, madje edhe borgjez, dhe për këtë arsye varej nga vullneti dhe shija e klientëve të tyre.

Në shekullin e 17-të, ardhja e akademive imponoi një kornizë për formimin artistik dhe përcaktoi rregullat që duheshin ndjekur në lidhje me praktikën e mirë estetike dhe tematike. Brenda kësaj "hierarkie të zhanreve", artistët kërkojnë njohje absolute duke u bërë piktorë të historisë, dhe që shpresonin të marrin favore mbretërore.

Në shekullin e 19-të, artistë si Gustave Courbet (1819 – 1877) ose ata që morën pjesë në Salon des Réfusés të vitit 1863 në Francë, cingëruan zilen e vdekjes për revoltën kundër institucioneve. Rrymat avangarde të shekullit të 20-të nuk do të pushojnë kurrë së kërkuari të çlirohen nga e kaluara dhe nga këmisha akademike. Artistët duan të jenë në gjendje të shprehen lirshëm, edhe nëse kjo do të thotë të mos kënaqin masën e gjerë. Shfaqet miti i artistit të mallkuar dhe bohem: i parë si një gjeni i keqkuptuar, ai vdes në varfëri, pa mundur të njohë lavdinë e jetës së tij. Në këtë frymë lirie vazhduan modernistët, pastaj artistët bashkëkohorë, madje shkuan edhe më tej: për origjinalitetin me çdo kusht. Duhet absolutisht të bëhen gjërat ndryshe.

Përkufizimet e artit aktual

Ndërsa frekuentoja botën e artit në Montreal, një gjë më ngacmoi veçanërisht: artistët aktualë refuzojnë sistematikisht mediumet klasike. As pikturë dhe as skulpturë, por ata e paraqesin punën e tyre si "instalime hibride". Një nga karakteristikat e artit bashkëkohor është në të vërtetë zbërthimi dhe përzierja (zhanre, stile, materiale, etj.). Veç kësaj, arti ka prej disa dekadash tashmë të drejtën të jetë jo material, madje edhe i padukshëm. Disa artistë nuk prodhojnë më objekte, por performanca që janë më afër fushës së ngjarjeve. Të tjerët duan të prekin shqisat e reja, kështu që ne flasim për artin e zërit, të prekjes ose të nuhatjes. Disa artistë mbeten në fushën vizuale, por eksperimentojnë me teknologji të reja si realiteti virtual, printimi 3D, inteligjenca artificiale, bioteknologjitë, etj. Kjo është lindja e artit digjital. Ekspozita Mirages & Miracles në Qendrën Phi në Montreal në shkurt 2019 ishte një manifestim shumë i mirë i kësaj.

Cili është qëllimi i gjithë këtyre praktikave të reja? Të arrihet në krijime krejtësisht të reja, të papara më parë! Kjo garë për origjinalitet, madje ndonjëherë edhe për skandal, e inicuar nga avangarda historike, është pra gjithmonë e pranishme. Ndryshimi është se sot pritet nga spektatorët dhe vlerësohet nga tregu. Kështu, pesë kriteret për vlerësimin e punimeve aktuale janë origjinaliteti maksimal, autenticiteti individual, ekscentriciteti, shkelja e rregullave dhe famës institucionale [1].

Një tjetër pikë e përbashkët, të cilën artistët e sotëm e ndajnë me avangardët, është të jesh i kohës. Emrat që u janë dhënë rrymave të ndryshme si “art modern”, “modernist”, “art bashkëkohor” dhe tani “art aktual” janë të gjitha demonstrime të kësaj. Ashtu si të parët e tyre, edhe artistët aktualë janë të shqetësuar me atë që po ndodh në këtë moment, me atë me të cilën përballen përditë. Prandaj vërejmë disa përsëritje në temat e veprave bashkëkohore, si mjedisi dhe ekologjia, krizat politike dhe sociale, marrëdhënia me trupin dhe përbërësit e tij, spiritualiteti dhe identiteti, përfshirja, veçanërisht e grave, personave me aftësi të kufizuara dhe pakicave etnike [2 ]. Sot, ne pikturojmë diskriminimin dhe shkrirjen e akullit, siç pikturuam transformimet urbane dhe revolucionin industrial në kohën e impresionistëve. Megjithatë, ne nuk i kundërshtojmë më konventat siç bëri arti modern, por më tepër vlerat e konsumit dhe informacionit që qeverisin shoqërinë tonë aktuale [3].

Ndërsa ne përpiqemi të përcaktojmë përafërsisht artin aktual, disa specialistë bien dakord për faktin se ai në fakt nuk është as estetik dhe as ideologji, por më tepër një ftesë për reflektim. Sipas François Boutard, "një nga karakteristikat themelore të artit bashkëkohor janë çështjet e bollshme që ai provokon, ai nuk mjaftohet me një qasje estetike ndaj riprodhimit [as edhe një qasje konceptuale], por vë në dyshim shikuesin [4]". Për Jürgen Habermas, nëse arti aktual bën të mundur shfaqjen e realitetit, ai nuk është për të gjithë reflektimi dhe as arratisja [5].

Sfidat e reja të artit

A është me e vështira të jesh i kohës në shekullin 21 në një kontekst globalizimi? Sigurisht që ka më shumë shkëmbime por edhe më shumë konkurrencë. Dhe artistët mund të jenë më origjinalë, por edhe më të shumtë dhe rrezikojnë të humbasin në “masë”. Prandaj, lufta midis origjinalitetit dhe shumëfishimit është në qendër të sfidave të reja artistike. Aq më tepër që epoka në të cilën jetojmë i jep një vend gjithnjë e më të madh krijimit artistik, në të njëjtën kohë kur individi rifokusohet te vetja dhe mirëqenia e tij. Sot, ne të gjithë duam të formësojmë rrugët tona të jetës dhe të pajtojmë kufizimet materiale dhe kërkimin e lumturisë. Artizanati dhe zanatet krijuese po rifitojnë terren dhe shumë drejtues të karrierës po heqin dorë nga gjithçka për të jetuar nga pasioni i tyre. Prandaj, artistët nuk kanë më monopol mbi krijimtarinë apo edhe inovacionin, dhe aq më pak mbi lirinë për të "zgjedhur jetën". Në ditët e sotme, të qenit “bohem” është bërë trend.

Në këtë kontekst të shoqërisë konsumuese dhe individualizimit, i cili që në fillim banalizon gjithçka, si të ngjallet interesi dhe të jesh i dukshëm si artist profesionist? A kanë ende mediat dhe muzetë një rol për të luajtur në njohjen artistike dhe edukimin e publikut? Në shekullin e XIX, ka qenë çifti tregtar-kritik arti që ka bërë “shi e e kohë të mirë” në këtë zonë. Nga vitet 1960, kritiku u zëvendësua nga konservatori. [6]. Për Rose-Marie Arbor dhe Francine Couture, sa më shumë që praktika artistike është bërë autonome, aq më shumë është çliruar nga sistemet e informacionit dhe komunikimit që e kishin bërë tradicionalisht një vend dhe një objekt takimi dhe konsensusi. Arti bashkëkohor jo vetëm që synon specialistët e botës së artit, por vendet e tij të përhapjes dhe ekspozimit janë bërë të specializuara duke braktisur rrjetin e galerive tregtare. Hendeku midis një publiku të specializuar dhe një publiku më të gjerë është zgjeruar dhe arti definitivisht nuk ka më nevojë për publikun e gjerë për të ekzistuar [7].

Nuk ka nevojë për “publik të gjerë”, pra nuk ka nevojë për “media kryesore”? Në këtë rast, pse këto të fundit do të shpërndanin një kritikë për artin aktual të dedikuar për publikun e gjerë që nuk ka të bëjë me të? Në të vërtetë, ne shohim se, shumë shpesh, temat artistike janë të dobët të zhvilluara dhe të theksuara në gazeta dhe janë të kufizuara në informacione të thjeshta kulturore. Aq më tepër që sot duket e vështirë të kritikosh veprat bashkëkohore pa u etiketuar si injorante, e prapambetur dhe e pa ditur. Në kohën e akademive, siç u përmend më lart, kishte rregulla që duheshin respektuar në çështjet e artit dhe kritiku i përdorte ato për të bërë gjykimin e tij. Në ditët e sotme nuk ka më kritere sepse pretendojmë liri totale artistike. Pra, si të gjykojmë? Siç thotë Anne-Marie Bouchard, "përballë opinionit të secilit dhe kulturës së vetvetes, […] të gjitha shijet janë "më shumë se kurrë" në natyrë [8]". Për të, as institucionet muzeore nuk guxojnë më të mbajnë qëndrim në atribuimin e vlerës artistike [9] dhe preferojnë t'u referohen “burimeve të besueshme”. Kjo mund të vërehet veçanërisht përmes organizimit të ekspozitave të suksesshme, të cilat publikohen gjerësisht. Duke ekspozuar artistë të njohur tashmë, muzetë arrijnë një audiencë më të gjerë dhe kështu shpresojnë të mbledhin sa më shumë hyrje që të jetë e mundur.

Por a duan vërtet artistët aktualë të jenë pjesë e kësaj “slot machine”? Këtu mund të citojmë shembullin e Stanley Shkurtit, i cili kishte kryer një aksion në gusht të 2019 përpara Muzeut të Artit Bashkëkohor të Montrealit. Ai protestoi kundër nën përfaqësimit të artistëve të rinj të Kebekut me prejardhje të ndryshme brenda institucioneve të mëdha publike. [10]. Për disa, është me të vërtetë një leje kalim për njohje, me kuratorët që ende luajnë një rol të rëndësishëm në promovimin e artistëve në treg. Por për të tjerët janë aktivitete argëtuese të njohura, në kufi me spektaklin e madh, të mbështetur nga përforcime të shumta mediatike.

Vlera ekonomike dhe sociale e artit bashkëkohor

Nëse disa artistë aktualë refuzojnë të lidhen shumë ngushtë me një sistem kapitalist, a janë ata të painteresuar? Me fjalë të tjera, a ka ende artistë bohem? Nga fillimi i shekullit të 20-të, rryma të caktuara si Dada dhe piktorë të caktuar si Duchamp Picabia dhe më vonë Warhol shfaqën një qëndrim të rastësishëm, ndonjëherë cinik ndaj artit dhe parasë. Më afër nesh, Ben gjithashtu luan në konfuzionin e zhanreve. Ai me të vërtetë supozon një paligjshmëri të mundshme të punës së tij duke riprodhuar një barkod dhe duke shkruar më poshtë: “A është vërtet ky art? ". Ai gjithashtu nuk heziton të tregtojë frazat e tij shokuese në formën e produkteve derivatore dhe kështu futet në lojën e konsumit masiv.

Kjo ngre edhe një pyetje tjetër: atë të vlerës së një vepre. Si ta përcaktoni sot? Çmimi i saj nuk lidhet më me koston e prodhimit, sepse, siç u përmend më lart, kriteret e vlerësimit janë jo materiale, të lidhura me origjinalitetin e veprës dhe personalitetin e artistit. Por kjo nuk mjafton. Reputacioni i tij, qoftë publik, privat apo mediatik, është gjithashtu thelbësor në vlerësimin e veprave të tij [11]. Pra në këtë fazë roli i pronarit të galerisë është i rëndësishëm. Këta të fundit tani duhet të punojnë me specialistë dhe institucione publike me ndikim për të njohur një artist dhe për të dhënë sinjale cilësore për të tërhequr koleksionistët privatë [12].

Nëse shteti është një aktor i rëndësishëm në njohjen e artistëve aktualë, kjo mbi të gjitha mbështetet në financimin e tyre. Mbështetja e tij, qoftë qendrore apo lokale, mund të gjendet në të gjitha nivelet, nga prodhimi deri te ekspozita.

Vendi dhe e ardhmja e artit bashkëkohor

A duhet ta hapim vërtet artin bashkëkohor për publikun e gjerë? Nëse po, si ta bëjmë pa rrezikuar të banalizohet ai? Më shumë se një shekull më parë, Nietzsche, duke ndjekur gjurmët e Baudelaire-it, imagjinoi mitin e individit modern si hero dhe artist, duke çuar përpara idenë se arti është terapeutik. Sipas tij, veprat e tij do të rikthenin fuqinë dhe vullnetin për të jetuar tek individët e zhytur në një kulturë dekadente [13]. Që atëherë, terapia e artit ka hyrë në skenat artistike dhe mjekësore, edhe nëse qëllimi i saj është paksa i ndryshëm nga ai i paraqitur nga filozofi gjerman në shekullin e 19-të.

Përtej faktit se hapja e artit bashkëkohor për publikun e gjerë do të ushqente imagjinatën kolektive, madje do ta kuronte atë, do të pasuronte edhe imagjinatën artistike. Falë një pamjeje të freskët dhe komenteve origjinale, publiku i gjerë ngre çështje të reja shumë interesante për krijimin artistik dhe zhvillimin e tij [14]. Problemi qëndron në faktin se praktikat e reja nuk kuptohen sepse ato përcaktohen sipas reflektimeve origjinale, jo sipas një mediumi. Nuk bëhet më fjalë për thyerje të kodeve si në shekullin e 20-të, por për propozimin e një mungese totale kodesh. Prandaj, publiku i gjerë përballet me pamundësinë për të lexuar pa një kod, të cilin ndërmjetësimi kulturor propozon ta korrigjojë përmes aktiviteteve të ndryshme që Ève Dorais i detajoi në kujtimet e saj mbi këtë temë [15].

Mund të mendojmë edhe për fenomenin e “konsumit lokal” i cili është kthyer në trend vitet e fundit. Është rritur veçanërisht përballë situatës aktuale pandemike, e cila (ri) demonstron rreziqet që lidhen me rritjen e globalizimit. Ne e dimë se aksesi dhe hapja ndaj publikut kërkojnë afërsi më të madhe. A nuk do të ishte i zbatueshëm edhe në fushën e artit valorizimi i dallimeve lokale përballë anonimitetit të përgjithësuar? Historia ka treguar se, në shekujt e mëparshëm, artistët janë përpjekur të bëjnë vepra që synonin të ishin universale. Sot, përballë rrezikut të një kulture të homogjenizuar në shkallë globale, arti duhet të kthehet "në baza". Por këtë herë nuk bëhet fjalë për të kërkuar një estetikë ideale dhe të përjetshme në burimet antike. Artisti sot duhet të nxjerrë nga “burimet e veta”, domethënë në vend, në komunitetin e tij. Kështu mund ta prekë, apo edhe ta ndihmojë artin.

...............................................................................................

[1]Marie Zawisza, « Art et argent », Art Magazine, n°38, octobre 2009, p. 47.

[2]Rose-Marie Arbour, L’art qui nous est contemporain, Montréal, Artexte (collection Prendre parole), 2000, p. 143.

[3]Ibid.

[4]François Boutard, « C’est quoi l’art contemporain ? », dans Art Design Tendance, 14 Février 2012. En ligne. . Consulté le 20 Mai 2020.

[5]Rose-Marie Arbour, L’art qui nous est contemporain, Montréal, Artexte (collection Prendre parole), 2000, p. 143.

[6]Emmanuel Laurentin, « Existe-t-il encore un marché de l’art contemporain ? », Paris, Radio France Culture, Podcast de l’émission Le Temps des Débats, octobre 2019, 40 min.

[7]Rose-Marie Arbour et Francine Couture, « Misères et grandeurs de l’art actuel et de la critique d’art dans les médias », Possibles, Montréal, vol. 13, n° 3, été 1999, p. 68.

[8]Anne-Marie Bouchard, L’art actuel a-t-il (encore) besoin des médias ?, ETC, n°98, février–juin 2013, p. 10.

[9]Ibid.

[10]Éric Clément, « Des artistes visuels de la diversité mènent une action d’éclat au MAC », La Presse, 18 Septembre 2019. En ligne. . Consulté le 25 Mai 2020.

[11]Marie Zawisza, « Art et argent », Art Magazine, n°38, octobre 2009, p. 46.

[12]Emmanuel Laurentin, « Existe-t-il encore un marché de l’art contemporain ? », Paris, Radio France Culture, Podcast de l’émission Le Temps des Débats, octobre 2019, 40 min.

[13]Ibid., p. 35

[14]Ève Dorais, « La médiation de l’art actuel dans les centres d’artistes autogérés », Mémoire de maîtrise, Montréal, Université du Québec à Montréal, 2007, p. 39.

[15]Ibid., 201 p.

Përktheu Ismail Ismaili